I Jornadas de Encuentro en colaboración con el Centro Danza Canal

I Jornadas de Encuentro en colaboración con el Centro Danza Canal

Nos alegra comunicaros que el Centro Dramático Nacional inicia, durante esta temporada, una nueva colaboración con el Centro Danza Canal para desarrollar las I Jornadas de Encuentro entre coreógrafos, directores y dramaturgos. La intención de estas Jornadas será establecer un punto de encuentro entre ambos centros de creación para propiciar un intercambio fluido entre las diversas disciplinas que conforman las artes escénicas.

La creación contemporánea de las artes vivas no puede entenderse sin esa confluencia y diálogo constante entre disciplinas como el teatro y la danza. El objetivo de estas primeras Jornadas de Encuentro será favorecer la creación de una red interdisciplinar de profesionales que puedan trabajar conjuntamente en futuros proyectos en torno a las artes escénicas.

Para ello, se partirá de los 9 proyectos coreográficos que ya han sido previamente seleccionados en la IX Convocatoria de Residencias 2017 convocada por el Centro Danza Canal. Desde el Centro Dramático Nacional, se escogerán a 18 miembros del Laboratorio Rivas Cherif para establecer 9 equipos formados por tres profesionales (cada uno de una especialidad artística: 1 director de escena, 1 dramaturgo y 1 coreógrafo). Estos 9 equipos trabajarán e investigarán juntos durante un fin de semana en torno al proyecto coreográfico elegido.

Lugar: Estudio 2 del Centro Danza Canal (cómo llegar).
Fecha: 23 al 25 de junio de 2017.
Horario: 23 de junio: de 10 a 13h.
24 y 25 de junio: de 10 a 14h y de 15 a 19h.
Participantes: Directores de escena y dramaturgos miembros del Laboratorio Rivas Cherif.
Nº de plazas: 18 participantes (9 directores de escena y 9 dramaturgos).
Precio: Gratuito. La falta de asistencia no justificada y sin previo aviso se tomará en cuenta para futuras convocatorias del Laboratorio.
Plazo de inscripción: Del 26 de mayo al 6 de junio de 2017.
Cómo inscribirse: Si eres miembro del Laboratorio Rivas Cherif, escribe un e-mail con tu petición al correo electrónico laboratorio.cdn@inaem.mecd.es poniendo en el asunto “JORNADAS ENCUENTRO CENTRO DANZA CANAL”.

Condiciones de participación

  • Ser director/a de escena y dramaturg@ del Laboratorio Rivas Cherif.
  • Carta de motivación: Queremos escuchar por qué queréis participar en estas Jornadas, qué esperáis de ellas y en qué os pueden ayudar a crecer en vuestro trabajo en este momento. Y todo eso queremos que nos lo contéis en una página.

Listado de coreógrafos y proyectos

Para poder configurar los equipos, se enviará el listado y la información detallada de cada uno de los proyectos coreográficos a los profesionales del Laboratorio Rivas Cherif que sean seleccionados. Tanto los director@s como los dramaturg@s tendrán que enviar el listado con los nueve proyectos, seleccionando un orden según preferencia e interés en su participación. La Dirección del Centro Danza Canal y el CDN asignará los grupos definitivos, intentando -en la medida en que sea posible- respetar las preferencias de los seleccionados.

Fases de las Jornadas

  • Fase I: tendrá lugar el día 23 de junio. Cada uno de los 9 equipos mantendrá una reunión informal por la mañana en el Centro Danza Canal, para conocer a fondo el proyecto y establecer las funciones y el papel que jugará cada profesional en la Fase II.
  • Fase II: tendrá lugar los días 24 y 25 de junio. Durante estos días las Jornadas tendrán lugar en las Salas de Ensayo del Centro Danza Canal donde los equipos trabajarán en el desarrollo de los proyectos coreográficos.

Del actor al personaje con Ramón Fontseré

Del actor al personaje con Ramón Fontseré

La base de este curso será ayudar al actor a “desintoxicarse” un poco de todos los personajes que lleva arrastrando durante toda su carrera. A partir de tres o cuatro movimientos básicos, el actor o actriz crea un personaje o ser primitivo que poco a poco va evolucionado, hasta la incorporación de sonidos y onomatopeyas. Ese ser será la base fundamental y principal que sostiene el personaje aunque éste evolucione hasta nuestros días. Este ejercicio sencillo, y casi primitivo, resulta muy gratificante. Sólo hay que pensar en tres o cuatro posibilidades de movimiento. Nada más.

En este taller, impartido por Ramon Fontserè, se buscará desarrollar la buena observación del objetivo escogido, que debe ser una práctica muy importante para un actor o actriz a la hora de interpretar un personaje de ficción. Y no digamos a la hora de interpretar un personaje real y concreto, como políticos, artistas, cocineros y otras faunas diversas. Sin duda, lo que nosotros hayamos conseguido retener en nuestra memoria emotiva de observación, lo podremos trasladar a nuestro personaje ficticio a la hora de hacer cualquier interpretación.

Fechas: Del 19 al 23 de junio de 2017.
Horario: 10 a 14 hrs.
Precio: Subvencionado por la Diputación de Málaga (La Térmica ofrecerá posibilidades de alojamiento y manutención a un precio económico).
Lugar: La Térmica de Málaga. (Sala 021).
Plazos de inscripción: Del 25 de mayo al 5 de junio de 2017 (ambos inclusive).
A quién va dirigido: Miembros del Laboratorio Rivas Cherif y/o de La Vía Andalucía.
Cómo inscribirse: Si eres miembro del Laboratorio Rivas Cherif envíanos un correo electrónico con tu petición a laboratorioenruta.cdn@inaem.mecd.es, poniendo en el asunto “TALLER RAMÓN FONTSERÈ-LA TÉRMICA”. Si eres de Andalucía puedes inscribirte a través de www.latermicamalaga.com
Perfil de alumno: Se seleccionarán un máximo de 20 profesionales.

Metodología

Tras una breve introducción a la historia de la compañía JOGLARS, y al método de trabajo, basado en el juego, se pasará a la acción centrándose en tres temas u objetivos:

1- La creación de un personaje personal e intransferible a través del propio actor o actriz.
2- La observación de personajes reales, para luego poder jugar y usar como fuente de inspiración en la creación teatral del actor o actriz.
3- “El trasvase” de los impulsos de dichos personajes observados al cuerpo del actor o actriz interesados.

También se trabajará cómo aprovechar los impulsos musicales para el reforzamiento de una acción teatral. Cómo siguiendo este juego se pueden lograr en un espacio escénico casi vacío ambientes o clímax diferentes.

Sobre Ramon Fontseré

Licenciado en Arte Dramático por el Institut del Teatre de Barcelona. Desde 1983 forma parte de Els Joglars con los que ha realizado más de 15 montajes bajo la dirección de Albert Boadella en teatros de Europa, América Latina y Estados Unidos. Desde diciembre de 2012 es director de Joglars, sustituyendo a Albert Boadella. Ha trabajado en cine con Comolli, Albert Boadella, Carlos Saura, David Trueba, Mar Coll, Antonio Betancour, Giovanna Ribes, Jonás Trueba y Juan Carlos Medina, entre otros. Ha hecho televisión y escrito “Tres pies al gato” y “La Rocambolesca historia del transportista Pere Bitxo”.

III Jornadas de Plástica Teatral

III Jornadas de Plástica Teatral

En el marco del Laboratorio Rivas Cherif y organizadas en colaboración con la Asociación de Artistas Plásticos de la Escena de España (AAPEE), el Centro Dramático Nacional celebrará los días 8, 9 y 10 de junio de 2017 en el Teatro Valle-Inclán (Madrid) las III Jornadas de Plástica Teatral de nuestro país que se celebrarán bajo el lema El traje a escena.

Su objetivo es reflexionar y poner en valor el papel que ocupa el vestuario escénico en expresiones artísticas complejas como el teatro, la danza, las artes plásticas, la moda o el diseño. Se propone un programa de actividades que apuesta por la difusión del arte del vestuario a todos los niveles; para hacer así patentes los valores artísticos y creativos del figurinismo; ya sea como una realidad en sí misma o como un elemento indispensable en el proceso escénico.

Estas jornadas profesionales están enfocadas a todos aquellos que se dedican a la investigación, el estudio y la crítica en el campo de las artes plásticas y las artes en vivo; así como a todos los creadores que hacen posible la evolución de las formas escénicas. Un lugar de encuentro entre creadores y públicos que, desde la práctica o el consumo cultural, se acerquen al hecho teatral desde diversas perspectivas: docentes, artistas de diversas disciplinas, estudiantes, productores, diseñadores, creativos, etc.

Las Jornadas estarán conformadas por actividades de diverso formato como conferencias, mesas debate, mesas técnicas, exposiciones, performances y conversaciones. Todas tendrán lugar en el Teatro Valle-Inclán y en el espacio digital de la webde las Jornadas.

La asistencia a todas las sesiones es gratuita hasta completar aforo, previa inscripción (en este enlace).

Lugar: Teatro Valle-Inclán
Fechas: 8, 9 y 10 de junio de 2017

1ª Jornada ARESAC: ¿Puede ser creativa la accesibilidad?

1ª Jornada ARESAC: ¿Puede ser creativa la accesibilidad?

En el marco de las actividades de mediación y formación de la V Edición del Festival Una mirada diferente¿Te atreves?, se convoca la “I Jornada ARESAC: ¿Puede la accesibilidad ser creativa?” de modo que los espectáculos puedan ser disfrutados TAMBIÉN por las personas con discapacidad bajo el enfoque de Cultura para Todos.

Salvo contadas excepciones los servicios de accesibilidad audiovisual se han venido produciendo de manera no coordinada a la producción de productos escénicos. El proyecto ARESAC (Artes Escénicas Accesibles) proponereconocer la accesibilidad como parte inseparable de la obra, tanto en su consideración artística como en su consideración técnica.

Por otra parte, las soluciones clásicas de accesibilidad no suponen la solución definitiva, ni desde el punto de vista del espectador ni desde el punto de vista de la creación; muy probablemente porque en lo que a los eventos escénicos se refiere, el flujo de la innovación parece haber ido generalmente de lo tecnológico a lo escénico y no al revés. Por ello el proyecto ARESAC plantea la corriente contraria: que las soluciones surjan en lo escénico y requieran a los tecnólogos su implantación.

Lugar: Sala Mirlo Blanco (Teatro Valle-Inclán).
Fechas: 1 de junio de 2017
Coordinadores del encuentro: Javier Jiménez (APTENT), Antonio Vázquez (ARISTIA), Belén Ruiz (CESyA), Oscar Pueyo (ALTAVOZ) y David Ojeda (Director de escena).
Horarios:

  • 15:30h: Apertura de puertas y recepción.
  • 16:00h: Inmersión en accesibilidad: Bienvenida, presentación, dinámicas, reflexión, exhibición y conclusiones.
  • 18:30h: Descanso.
  • 19:00h: Debate abierto.
  • 20:00h: Clausura.
  • 20:30: Asistencia gratuita de los asistentes al ensayo general de El amor no dura para siempre (Romeos y Julietas) de Andrés Lima y Fritsch Company (Sala Valle-Inclán).

Participantes: Miembros del Laboratorio Rivas Cherif.
Nº de plazas: 45.
Cómo inscribirse: Entrada libre con emisión de entradas hasta completar aforo. Los participantes deberán recoger sus entradas en las taquillas del Teatro Valle-Inclán a partir del miércoles 24 de mayo a las 17h.

I TALLER DE ESCENOGRAFÍA ENMARCADO EN EL FESTIVAL TERCERA SETMANA

I TALLER DE ESCENOGRAFÍA ENMARCADO EN EL FESTIVAL TERCERA SETMANA

Nos alegra comunicaros que el Laboratorio Rivas Cherif del Centro Dramático Nacional ha puesto en marcha para esta temporada una nueva colaboración con el Festival Tercera Setmana de la Comunidad Valenciana organizado por la Associació Valenciana d’Empreses de Teatre, Dansa i Circ (AVETID). Como actividad incial, desarrollaremos un taller práctico de escenografía, cuyo objetivo será establecer y activar dinámicas de colaboración entre escenógrafos y directores a la hora de afrontar juntos la puesta en escena.

La intención del taller es acercar a los escenógrafos asistentes a la idea del encuentro creativo y personal que se produce en cada puesta en escena con el resto del equipo artístico -especialmente con el director-.

La propuesta de trabajo se centrará en abordar el mismo texto del dramaturgo de raíces valencianas José Ricardo Morales (Orfeo y el desodorante o el último viaje a los infiernos) con tres directores distintos: Carles Alfaro, Fefa Noia y Víctor Velasco. Los alumnos deberán atender las poéticas propias que los directores les propongan y generar tres proyectos escenográficos específicos para cada director; que éstos valorarán y comentarán posteriormente con cada uno de los participantes.

Lugar: Las Naves (Valencia) (cómo llegar).
Fechas: 09 al 18 de junio de 2017.
Horario:

  • 9 al 11 de junio: De 10 a 14 h.
  • 12 al 15 de junio: Horario libre de trabajo.
  • 16 al 19 de junio: De 11 a 14h y de 16 a 19h (horario aproximado).

Participantes: Escenógrafos del Laboratorio Rivas Cherif y profesionales escogidos por el Festival.
Nº de plazas: 8 participantes (4 escenógrafos del Laboratorio y 4 profesionales vinculados con el Festival Tercera Setmana).
Precio: 40 euros. En virtud del acuerdo de colaboración suscrito, el festival Tercera Setmana facilitará información de opciones de alojamiento económicas a los cuatro talleristas seleccionados del Laboratorio Rivas Cherif que lo necesitaran.
Plazo de inscripción: Del 8 al 22 de mayo de 2017.
Cómo inscribirse: Si eres miembro del Laboratorio Rivas Cherif, escribe un e-mail con tu petición al correo electrónico laboratorioenruta.cdn@inaem.mecd.esponiendo en el asunto “TALLER ESCENOGRAFÍA TERCERA SETMANA”.electrónico laboratorio.cdn@inaem.mecd.es poniendo en el asunto “JORNADAS ENCUENTRO CENTRO DANZA CANAL”.

Condiciones de participación

    • Ser escenógraf@ del Laboratorio Rivas Cherif o seleccionado por el Festival Tercera Setmana.
    • Carta de motivación: Queremos escuchar por qué queréis participar en este taller, qué esperáis de él y en qué os puede ayudar a crecer en vuestro trabajo en este momento. Y todo eso queremos que nos lo contéis en una página.

El texto Orfeo y el desodorante o el último viaje a los infiernos se facilitará a todos los seleccionados para su lectura previa al desarrollo del taller.

La documentación gráfica de los proyectos que se elaboren en el taller se colgará en la web de Tercera Setmana y en la página del Laboratorio Rivas Cherif.

Desarrollo del Taller

  • Viernes 09 de junio: Sesión de trabajo con Víctor Velasco en el que éste expondrá su poética y visión del texto de José Ricardo Morales así como su manera de entender la dirección en relación a la escenografía.
  • Sábado 10 de junio: Sesión de trabajo con Fefa Noia en el que la directora expondrá su poética y visión del texto así como su manera de entender la dirección en relación a la escenografía.
  • Domingo 11 de junio: Sesión de trabajo con Carles Alfaro en el que éste expondrá su poética y visión del texto así como su manera de entender la dirección en relación a la escenografía.
  • Del lunes 12 al jueves 15 de junio: Sesiones de reflexión y trabajo individual de los alumnos. Estas sesiones serán libres y podrán desarrollarse tanto en Valencia como en lugar de residencia de cada participante.
  • Viernes 16 de junio: Sesión de muestra de los trabajos realizados con Víctor Velasco. Cada alumno dispondrá de 45 minutos para su exposición y posterior diálogo con el director y el resto de compañeros del taller.
  • Sábado 17 de junio: Sesión de muestra de los trabajos realizados con Fefa Noia. Cada alumno dispondrá de 45 minutos y se seguirá misma dinámica que la sesión anterior.
  • Domingo 18 de junio: Sesión de muestra de los trabajos realizados con Carles Alfaro. Cada alumno dispondrá de 45 minutos y se seguirá la misma dinámica que las dos sesiones anteriores.

Sobre José Ricardo Morales

Ensayista, orador y destacado dramaturgo, nace en España en 1915 pero tiene que exiliarse Chile 1939, país en el que vivirá hasta su muerte en 2016 y en el que desarrolló el grueso de su labor literara, llegando a ser miembro de la Academia Chilena de la Lengua en 1974. Como señala Manuel Aznar Soler, «la mayor parte de la obra dramática de Morales, víctima del destierro, mantiene hoy plena vigencia y sentido» y reclama «ese encuentro auténtico que significa la verdadera prueba de fuego de todo teatro: su confrontación con la escena, con el aire y la luz de su estreno ante el público español de hoy».
Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Valencia y luchó contra el fascismo tanto desde las tablas como en el campo de batalla. Tras salir al exilio a bordo del barco Winnipeg, una de sus primeras iniciativas fue fundar la Editorial Cruz del Sur junto a otros compañeros exiliados, allí Morales elaboró su antología de poesía escrita en el exilio llamada Poetas en el destierro, uno de los primeros proyectos que reunió la creación de los españoles fuera de su país. Además de su labor como académico en la Universidad de Chile y en el Departamento de Estudios Humanístico, fue la dramaturgia su más fuerte vocación.
Conocedor de las tradiciones literarias, Morales es un escritor capar de cultivas y subvertir géneros clásicos como la farsa y la tragedia. Con este fin, suele recurrir a la adaptación o reescritura, ejercicio que le permite invocar personajes clásicos como Don Juan o Edipo para contrastarlos con la modernidad. Su obra confronta al espectador con la deshumanización y la violencia social en el mundo actual, poniendo al descubierto las tiranías de los poderosos y de la sociedad de consumo en un tono sarcástico que interpela al lector o espectador.

Sobre Carles Alfaro

Director valenciano y fundador de la cía. teatral Moma Teatre en 1982. También actor, adaptador, escenógrafo y diseñador de iluminación.

Se forma como actor en Valencia, Madrid, Oslo, Nueva York, y se diploma en el British Theatre Association Directors de Londres. Dirige para Teatro de La Abadía, el Centro Dramático Nacional, la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Teatro de la Zarzuela, el Teatro Español en Madrid y el Teatre Nacional de Catalunya, el Teatre Lliure y el Festival Temporada Alta (Girona) y para diferentes compañías privadas. Premios más relevantes: MAX 2001 Espectáculo Revelación por Nacidos culpables; MAX 2003 Escenografía por La caída; ADE 2010 por El arte de la comedia; MAX 2014 Dirección por El lindo Don Diego para CNTC y MAX Adaptación por L’estranger para Teatre Lliure; CERES 2015 Dirección por Atchúusss y varios Premios Teatres de la Generalitat Valenciana.

Sobre Fefa Noia

Cursó estudios de Filología Alemana en la Universidade de Santiago de Compostela, realizando su doctorado en Ciencia Teatral en la Ludwig-Maximilian-Universität de Munich. Se formó como directora en el Teatro de La Abadía, donde fue parte del equipo de dirección artística durante más de diez años, estudiando con maestros como Marcelo Magni, Lenard Petit, Juan Carlos Gené o Yoshi Oida. Ha sido becaria de la Fundación Pedro Barrié de la Maza, la Real Academia de España en Roma, y la Comisión Fulbright (MA en Drama por la San Francisco State University de California). Actualmente es la Directora del Centro Dramático Galego (CDG).

Además, ha colaborado como autora, dramaturga y traductora con la Universidade de Santiago, la Editorial Xerais, el Teatro de La Abadía, la Festspielhaus de Munich y el Residenztheater (Teatro Estatal Bávaro). Ha trabajado en labores de dirección con el Centro Dramático Galego, el Centro Dramático Nacional, la Compañía Nacional de Teatro Clásico y el Teatro de La Abadía, habiendo colaborado con Hansgünther Heyme, José Luis Gómez, Hernán Gené, Àlex Rigola, Georges Lavaudant, Dan Jemmett, Carles Alfaro o Andrés Lima. Como directora ha firmado El Caballero (EscénaTe), Andorra y El coloquio de los perros (Corral de Alcalá/Abadía), El amor enamorado (La Caimana), S.P.Q.R. Si vis pacem para bellum (RAER), y Días sen Gloria (CDG). Con su compañía Los lunes, cofundada junto con el actor David Luque, ha dirigido Wild Wild Wilde, de José Ramón Fernández, Cuerdas de Bárbara Colio, Ayuda de Maria Goos y País, escrita y dirigida por ella y estrenada en el Festival Frinje 2015. Sus puestas en escena han sido exhibidas en los festivales de Almagro, Elx, Alcalá de Henares, Niebla, Escena Contemporánea, FITO de Ourense, y el Festival Frinje (Naves del Español, Madrid) entre otros.

Sobre Víctor Velasco

Licenciado en Dirección de Escena y Dramaturgiapor la Resad. Sus últimos trabajos han sido Furiosa Escandinava de Antonio Rojano para el Teatro Español, Las horas contadas y La corrupción al alcance de todos de José Ricardo Morales para el CDN y DioSK de A. Rojano para las Naves del matadero. También ha dirigido y versionado más de veinte espectáculos entre los que destacan El chico de la última fila, Las sillas, La chinche, Acreedores, El cántaro roto o La injusticia contra Dou E.

Ha combinado su trabajo como director con ayudantías de dirección en teatros nacionales (CNTC, CDN) y en la empresa privada, trabajando al lado de directores como Miguel Narros, Ernesto Caballero, Gerardo Vera o María Ruiz entre otros.También ha impartido en talleres de investigación escénica y creación teatral. Es premio José Luis Alonso para jóvenes directores de la ADE por su montaje de El chico de la última fila de Juan Mayorga, espectáculo galardonado también con el Premio del jurado al mejor montaje de Teatro en la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca 2012 y el Premio del Público del XXI Festival de Teatro Hispánico Don Quijote de París.

VIVISECCIÓN DEL CUERPO VISUAL-POÉTICO EN ESCENA

VIVISECCIÓN DEL CUERPO VISUAL-POÉTICO EN ESCENA

Enmarcado en las III Jornadas de Plástica Teatral organizadas por el Centro Dramático Nacional (y dedicadas especialmente al figurinismo), este taller busca sacar el hecho del vestuario de su contexto habitual y extenderlo al concepto de la creación del personaje; como un discurso eficaz de contenido y forma. Concepto, imagen, luz, sonido y escenografía se unen para construir un personaje propio en el vestido; desvistiendo, desnudándolo de significados para buscar nuevos significantes.

El objetivo de este taller es la creación plástica del drama en lenguaje original y propio, contemporáneo y libre en clave transdisciplinar. Se partirá del intérprete como eje, de su vestido-escenografía y de su carga visual escénica total. Se defenderá una concepcion del vestuario escénico como arte vivo con el sujeto-objeto dramatúrgico, hablando desde su creación total y única puntual de autor (y no como producción comercial, recreación o repetición literal e inerte de lo ya conocido). A lo largo de este taller se descubrirá cómo cada persona y cada especialidad visualiza, concibe y materializa el elemento plástico como una nueva y propia obra de arte en sí. Desde su propia experiencia y pulsión, cada alumno empleará conceptos y herramientas conocidas; pero también otras nuevas desconocidas planteadas durante las jornadas de trabajo.

Los alumnos crearán un personaje conformado desde su propia dramaturgia como espacio interno y externo a vestir. Drama, cuerpo y espacio serán tratados como una unidad conceptual propia, con toda la amplitud de posibilidades artísticas y logísticas para ser visualizado. El trabajo se centrará en ese contenido personal para investigar cómo materializarlo y desarrollarlo en maqueta a tamaño real.

Mariaelena Roqué discutirá y guiará a los participantes sobre cómo se crea el uno y el todo escénico; hasta convertir al elemento personaje en vestido, concepto, escenografía, drama, coreografía y obra de arte. Se reafirmará el arte del vestuario escénico y escenografía, concebido como arte contemporáneo; como un preciso trabajo con el intérprete y el drama. Un arte vivo y atento al lenguaje teatral en cada una de sus partes, en vivisección dinámica abierta.

Se buscará, en definitiva, potenciar al lenguaje propio dentro de un equipo de creadores; para comprender otro sistema y filosofía de acción colectiva desde lo individual, donde absolutamente cada parte ha de colaborar a la mejor consecución de un proyecto con innovación y con capacidad de defender propuestas que impliquen riesgo artístico.

Procedimientos:
A modo de introducción a esta amplia visión, los alumnos harán una maqueta a tamaño real de un propio personaje que partirá de dibujos y escritos automáticos espontáneos rápidos. Posteriormente, explicarán el resultado imaginado y su intención dramatúrgica poética.

Materializar ese personaje con las manos, desde las entrañas y la mente, será parte del proceso de entendimiento de la creación y visualización de una idea propia; y también el de saber cómo concebir otra también en lenguaje propio que quizá no haya sido dada por una pulsión propia y original. Actuar y ponerse como artista en la piel y alma del drama e intérprete, en la particularidad del actor, en la incidencia en el espacio y su proyección, etc.

Profesor:
Mariaelena Roqué.

Perfil de los alumnos:
Participantes decididos a trabajar y entregarse y dejarse conducir. Con buen conocimiento de su especialidad y también con intención de transgredirla.

Material a aportar por los alumnos:
Un bloc de dibujo grande, lápices, gomas de borrar, rotuladores, teléfono móvil o camara de fotos, materiales específicos encontrados durante los días del taller y material de trabajo habitual de cada uno (equipos de sonido, ordenadores, máquinas portátiles de coser, herramientas de costura, ferretería y otros para la construcción física y virtual, visual y sonora de la maqueta). Ropa cómoda.

Lugar: Sala Francisco Nieva del Teatro Valle-Inclán (cómo llegar).
Fechas: 5, 6 y 7 de junio de 2017.
Horario: De 10 a 14 horas.
Participantes: Se buscan profesionales de diversas especialidades en las artes escénicas, con el objetivo puesto en la creación de vestuario y escenografía en plástica y dramaturgia. Todos los alumnos participarán de la creación dramatúrgica-plástica desde una nueva perspectiva.
Nº de plazas: Máximo 12 personas (dirigido a todos los miembros del Laboratorio Rivas Cherif y a miembros de la Asociación de Artistas Plásticos de España -AAPEE-).
Precio: 40 euros.
Plazo de inscripción: Del 9 al 19 de mayo de 2017 (ambos inclusive).
Cómo inscribirse: Escribe un e-mail con tu petición a laboratorio.cdn@inaem.mecd.es poniendo en el asunto “TALLER MARIAELENA ROQUE”.

Sobre Mariaelena Roqué

Artista transdisciplinar visual y de escena, espacial y acción. Profesora en artes visuales escénicas. Mariaelena Roqué inicia su andadura en diversas disciplinas artísticas en el año 68; desarrollando una vasta obra visual, escénica y performática.

Su obra conceptual y acumulativa con eje en la propia expresióny recorrido vital, se genera a través del encuentro e importante alianza con otros artistas, especialmente de música contemporánea, y equipos de creadores y realizadores al completo, en la búsqueda de realizar la obra total, “ópera”, es decir la obra escénica plural que integra a todas las artes e intérpretes posibles.

Se forma y ahonda en la investigación en el arte contemporáneo, clásico y multicultural, con visión de antropólogo y artista, para lo que realiza grandes viajes donde los proyectos personales y encargos múltiples, van desarrollando su lenguaje visual

Ha concebido cada elemento en dinámica continua de “work in progress”, percibiendo el ruedo escénico de modo interactivo, sea en teatros o en espacios escenificados. El intérprete-personaje con el vestido y sus elementos escénicos es, en su propuesta personal, el eje y materia viva visual, transporte de la acción del drama, música o poema visual sonoro. Para su creación emplea ilimitadamente todas las herramientas artísticas y medios posibles y a experimentar.

En cada una de sus piezas busca la unicidad visual, plástica, musical y sonora. Puede incluir esculturas, dibujos, trajes de escena, creación o elementos sonoros y de iluminación propia, fotografía video y films, etc. Cuenta, para su realización, con otros artistas plásticos, músicos, cineastas, fotógrafos, video artistas, iluminadores, talleres de escenografía y fallas, estudiantes, artesanos, tejedores, patronistas y modistas, herreros, escultores, informáticos etc, idealmente del lugar de creación de la obra puntual, estableciendo un diálogo multimedia interdisciplinar de amplia manufactura en las cambiantes situaciones performáticas.

Las piezas de creación original, son diseñadas para una interacción dinámica y abierta del sujeto “per se” a través del intérprete de música, danza, texto o performance en el espacio con el público; enfocada en la interpretación, comunicación, expresión y transformación efectiva del drama, en su acción con su vestido-elemento visual-escénico, dinámico y accionado durante la evolución de la obra, siendo el conjunto de cuadros resultantes, una secuencia de planos de escenografía viva, potenciadores visuales-sonoros, del drama eclosionando en su acción.

Sus expo·instal·acciones MER posteriores son nuevos cuadros escénicos, habitados a través de los personajes-escultura; creados e instalados en el espacio, provistos de la huella anterior adquirida en la acción teatralizada pero ahora deshabitados de sus cuerpos físicos en acción. Siendo obra plástica y visual que vuelve a habitar los espacios vacíos de intérpretes para generar otros significados estético- poéticos y espaciales.

BECA L’OBRADOR D’ESTIU – SALA BECKETT 2017

BECA L’OBRADOR D’ESTIU – SALA BECKETT 2017

En esta 12ª edición del seminario, coordinada por el dramaturgo inglés Simon Stephens y que girará en torno al “Teatro para el tiempo de la emergencia”, la autora becada por el Centro Dramático Nacional ha sido María Prado.

Sobre María Prado:
Dramaturga, actriz, y directora. Licenciada en Arte Dramático (Interpretación textual) por la RESAD. Ha obtenido un Master de Teoría y Crítica de la Cultura (Humanidades) y Matrícula de Honor en el Máster en Creación Teatral de la Universidad Carlos III de Madrid coordinado por Juan Mayorga. Amplía su formación con maestros como Vicente Fuentes, Will Keen, Declan Donnellan (Biennale de Venecia 2012), Joanne Howarth (Shakespeare’s Globe) y con cursos en el Teatro de La Abadía y con la Michael Chekhov Association en Canadá. Como dramaturga se entrena en talleres con Mark Ravenhill, Martin Crimp (Biennale de Venecia, 2016), Alberto Conejero, Rafael Spregelburd, entre otros. En 2009, es seleccionada como actriz para formar parte de la segunda promoción de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico. Desde 2013, compagina su trabajo como actriz con el de dramaturgia, dirección y producción dentro de su compañía Cuartoymitad Teatro. Su primera obra Escriba su nombre Aquí, coescrita y codirigida junto con Fernando de Retes, obtuvo gran éxito con posteriores giras nacionales e internacionales

(La Habana, XXX Festival Internacional de Teatro Hispano de Miami, XVII FIT Nicaragua, II FIT Riviera Maya, VI Festival Internacional Escena Mazatlán…) con el apoyo de INAEM, AECID y Fundación SGAE. En 2015, escribe y dirige (Des)de los escombros, estrenada en Madrid y publicada por Ediciones Antígona en 2017. Este mismo año, es seleccionada para formar parte del VI Programa de Dramaturgias Actuales del INAEM con su proyecto La ciudad rota.

Logo de La Sala Beckett

III JORNADAS DE PLÁSTICA TEATRAL. TALLER DE INTERVENCIÓN PLÁSTICA SOBRE “ARMARIOS”

III JORNADAS DE PLÁSTICA TEATRAL. TALLER DE INTERVENCIÓN PLÁSTICA SOBRE “ARMARIOS”

En el marco del Laboratorio Rivas Cherif, el Centro Dramático Nacional organiza las III Jornadas dedicadas a la plástica teatral en colaboración con la Asociación de Artistas Plásticos de la Escena de España (AAPEE). En este año, las Jornadas se celebrarán bajo el lema de El traje a escena, y tendrán como objetivo poner en valor el papel que juega el vestuario en las artes escénicas.

En torno a las mismas, ambas instituciones han decidido poner en marcha un nuevo taller, Armarios, que consistirá en una intervención plástica que debe tener el armario como objeto contenedor de la obra. Armarios que componen, que visten, que decoran, que construyen, que aman, que perjudican, que adolecen, que duermen, que habitan, que confunden, que esconden. Su contenido descubre lo que piensas, lo que no quieres, lo que más deseas y lo que más aborreces. Se adapta a tu deseo diario de cambio y se transforma en fuerza visual con sentido y organicidad.

El vestuario es el elemento que unifica la intervención del objeto. Por este motivo, y dada la versatilidad del armario como objeto de la vida cotidiana, te proponemos que presentes la intervención plástica del armario donde quedará plasmada tu creatividad como artista. Cualquier material será válido para su transformación, pudiendo ser presentado dentro, fuera, en el entorno, como paisaje urbano, como descomposición.

El objeto habla, el vestuario compone y la escultura define.

Lugar: El montaje se realizará en los espacios cedidos por la Red de teatros de Lavapiés y será publicitado junto con las actividades de las III Jornadas de plástica teatral que se celebrarán en el teatro Valle Inclán del 8 al 10 de Junio.
Fechas:

  • 25 de mayo de 2017-Comunicación de los proyectos seleccionados.
  • 26 de mayo de 2017-Entrega de armarios en el Teatro Valle-Inclán.
  • 1 y 2 de junio de 2017 – Montaje de los trabajos seleccionados en el espacio asignado de la Red de Teatros de Lavapiés.
  • 7 de junio de 2017 – Inauguración de exhibición los trabajos seleccionados.
  • 7 de julio de 2017 (fecha a determinar por cada espacio) – Fin de exhibición los trabajos seleccionados.

Participantes: Figurinistas, iluminadores y escnógrafos del Laboratorio Rivas Cherif y profesionales asociados a la AAPEE.
Nº de plazas: 6 artistas.
Precio: Gratuito (la falta de asistencia no justificada y sin previo aviso se tomará en cuenta para futuras convocatorias del Laboratorio).
Inscripción y entrega de dossieres: Del 5 al 21 de mayo de 2017 (ambos inclusive).
Requerimientos: Los solicitantes deberán adjuntar, en su solicitud, un dossier con bocetos y un texto explicativo de su intervención.
Cómo inscribirse: Escribe un e-mail con tu petición, junto con el dossier, a laboratorio.cdn@inaem.mecd.es poniendo en el asunto “TALLER JORNADAS PLASTICA TEATRAL 2017″. Si tienes alguna duda, consulta información escribiendo a info@aapee.es.

Condiciones de participación

  • La intervención debe tener el vestuario, el cuerpo o la piel como tema principal.
  • Dossier y bocetos de la obra: irán acompañados de un breve texto explicativo donde se desarrolla el concepto de la intervención.

Los dossieres se enviarán en formato digital (con una extensión máxima de 10 páginas y un peso máximo de 2MB), y la selección de participantes será realizada por un jurado compuesto por miembros de la Junta Directiva de la Asociación AAPEE, así como por el equipo de Dirección del Centro Dramático Nacional.

Cada profesional intervendrá sobre un armario modelo Aneboda de Ikea, aportados por la AAPEE, y el montaje de los armarios se realizará en los espacios cedidos por la Red de Teatros de Lavapiés.

TALLER DE INTERPRETACIÓN “UNA MIRADA DIFERENTE” 2017 CON FEFA NOIA

Como en años anteriores, la Fundación Universia y el Laboratorio Rivas Cherif del Centro Dramático Nacional, promueven la V edición del taller de investigación actoral desarrollado en el marco del Festival “Una Mirada Diferente”. En esta propuesta se vuelve a plantear el reto a un/a director/a de dirigir a un grupo de investigación formado por creadores con y sin discapacidad.

Esta edición, el taller estará dirigida por la directora de escena Fefa Noia, y se trabajará sobre textos creados previamente en el Taller de Dramaturgia llevado a cabo por Juan Mayorga y Diana Luque. Las pequeñas obras cortas que se crearán en el taller versarán sobre la búsqueda de puntos en común que nos enlacen a unos con otros, centrándose en la idea del miedo y su poder dramatúrgico.

Tras el taller, se realizará una muestra final abierta al público, con posterior coloquio, el día 29 de Mayo en el Teatro Valle-Inclán.

Profesora coordinadora del taller: Fefa Noia.

Lugar: Salas Mirlo Blanco (19 y 22 de mayo) y Francisco Nieva (del 23 al 26 de mayo) del Teatro Valle-Inclán (cómo llegar).
Fechas: Día 19, y del 22 al 26 de mayo. El lunes 29 de mayo se realizará una muestra final a las 20:00 horas.
Horario: De 10 a 14 h.
Participantes: Profesionales de las artes escénicas del Laboratorio Rivas Cherif y profesionales inscritos a través de la Fundación Universia.
Nº de plazas: 20 personas (50% reservado a personas con discapacidad).
Precio: 60 euros.
Plazo de inscripción: Del 19 al 30 de abril de 2017 (ambos inclusive).
Cómo inscribirse: Si eres miembro del Laboratorio Rivas Cherif, escribe un e-mail con tu petición al correo electrónico miradadiferente.cdn@inaem.mecd.es poniendo en el asunto “TALLER INTERPRETACIÓN MIRADA DIFERENTE 2017”. Si tienes alguna discapacidad consulta inscripción en http://www.fundacionuniversia.net/

Condiciones de participación

Realizar este taller implica autorización para que pudieran ser tomadas imágenes tanto en el transcurso del taller como de la muestra de trabajos posterior.

Sobre Fefa Noia

Cursó estudios de Filología Alemana en la Universidade de Santiago de Compostela, realizando su doctorado en Ciencia Teatral en la Ludwig-Maximilian-Universität de Munich. Se formó como directora en el Teatro de La Abadía, donde fue parte del equipo de dirección artística durante más de diez años, estudiando con maestros como Marcelo Magni, Lenard Petit, Juan Carlos Gené o Yoshi Oida. Ha sido becaria de la Fundación Pedro Barrié de la Maza, la Real Academia de España en Roma, y la Comisión Fulbright (MA en Drama por la San Francisco State University de California). Actualmente es la Directora del Centro Dramático Galego (CDG).

Además, ha colaborado como autora, dramaturga y traductora con la Universidade de Santiago, la Editorial Xerais, el Teatro de La Abadía, la Festspielhaus de Munich y el Residenztheater (Teatro Estatal Bávaro). Ha trabajado en labores de dirección con el Centro Dramático Galego, el Centro Dramático Nacional, la Compañía Nacional de Teatro Clásico y el Teatro de La Abadía, habiendo colaborado con Hansgünther Heyme, José Luis Gómez, Hernán Gené, Àlex Rigola, Georges Lavaudant, Dan Jemmett, Carles Alfaro o Andrés Lima. Como directora ha firmado El Caballero (EscénaTe), Andorra y El coloquio de los perros (Corral de Alcalá/Abadía), El amor enamorado (La Caimana), S.P.Q.R. Si vis pacem para bellum (RAER), y Días sen Gloria (CDG). Con su compañía Los lunes, cofundada junto con el actor David Luque, ha dirigido Wild Wild Wilde, de José Ramón Fernández, Cuerdas de Bárbara Colio, Ayuda de Maria Goos y País, escrita y dirigida por ella y estrenada en el Festival Frinje 2015. Sus puestas en escena han sido exhibidas en los festivales de Almagro, Elx, Alcalá de Henares, Niebla, Escena Contemporánea, FITO de Ourense, y el Festival Frinje (Naves del Español, Madrid) entre otros.

CREA EL CARTEL DEL FESTIVAL “UNA MIRADA DIFERENTE” 2017

Por quinto año consecutivo, el Centro Dramático Nacional pone en marcha una nueva edición del Festival “Una Mirada Diferente”, un proyecto que pretende poner el foco en la necesidad de incluir a profesionales con discapacidad en proyectos de artes escénicas.

En esta ocasión, lanzamos una nueva convocatoria de taller para la creación del cartel que será imagen de la quinta edición del festival. Este taller tan especial será impartido por La casa de Carlota, un estudio de diseño profesional que apuesta por el talento y la integración de personas con discapacidad al mundo laboral y artístico. Para su realización, se contará con 6 miembros del Laboratorio Rivas Cherif y 6 artistas con discapacidad, y tiene como intención principal promover maneras distintas de ver el mundo y el arte, para conseguir crear una oportunidad y una experiencia única que elimine prejuicios absurdos en la sociedad actual en la que vivimos.

Coordinadores del taller: La casa de Carlota.
Lugar: Sala Mirlo Blanco del Teatro Valle-Inclán (cómo llegar).
Fechas: días 20 y 21 de abril.
Horario: De 11 a 14 h.
Participantes: Escenógrafos, figurinistas e iluminadores del Laboratorio Rivas Cherif, y profesionales inscritos a través de la Fundación Universia.
Nº de plazas: 12 personas (50% reservado a personas con discapacidad).
Precio: 20 euros.
Plazo de inscripción: Del 10 al 16 de abril de 2017 (ambos inclusive).
Cómo inscribirse: Si eres miembro del Laboratorio Rivas Cherif, escribe un e-mail con tu petición al correo electrónico miradadiferente.cdn@inaem.mecd.es poniendo en el asunto “TALLER CARTEL MIRADA DIFERENTE 2017”. Si tienes alguna discapacidad consulta inscripción en http://www.fundacionuniversia.net/.

Condiciones de participación

Realizar este taller implica autorización para que pudieran ser tomadas imágenes tanto en el transcurso del taller como de la muestra de trabajos posterior.

Sobre LA CASA DE CARLOTA

Es un estudio de diseño profesional que cuenta con un equipo creativo insólito, formado por personas con discapacidad, que trabajan de forma integrada y absolutamente normalizada con jóvenes estudiantes de escuelas de diseño, ilustradores y directores de arte seniors.Esta especial combinación extraordinaria de talentos tan diferentes y a la vez tan complementarios, permite ofrecer soluciones de diseño innovadoras, frescas y diferentes, convirtiendo a La Casa de Carlota en un referente de innovación creativa y de impacto social en el mundo.

LA ESCRITURA DEL ABISMO: ESTRUCTURAS DE LA FICCIÓN EN EL TEATRO DEL SIGLO XXI

Puesta en abismo, construcción en abismo, estructura abismada. Diversos son los términos que usa nuestra lengua para traducir la expresión francesa conocida como «mise en abyme». Definido por André Gide en 1893, este recurso se refiere al procedimiento narrativo consistente en imbricar una narración dentro de otra, como si se trataran de muñecas rusas, del mismo modo que en la heráldica somos capaces de encontrar un escudo dentro de otro o, en el arte, buscamos el reflejo oculto del pintor en el interior del lienzo.

La escritura en abismo nos aleja del canon aristotélico pero, en cambio, nos enfrenta a un laberinto con varias puertas a los costados. La raíz común de todas ellas es la noción de reflectividad: el espacio reflejado mantendrá una relación con su reflejo por semejanza o contraste. Con una escritura orientada hacia los mecanismos de la ficción crearemos un espacio lúdico y seguro, un camino en el que nos podemos perder o confundir, pero cuyo entrenamiento agilizará nuestras capacidades como escritores.

En el teatro, habitualmente, este recurso se ha usado para analizar la metateatralidad de textos como Hamlet o Seis personajes en busca de autor, pero su estudio en profundidad nos revelará algunas de las posibilidades estructurales que hallamos en la dramaturgia más reciente. Si nos acercamos a las piezas clave de Rafael Spregelburd o Caryl Churchill, ejes del trabajo durante el taller, descubriremos que multiplicar los niveles de ficción de una obra teatral puede llevarnos, como autores, a alcanzar cotas de mayor riesgo y ambición.

Profesor: Antonio Rojano.

Participantes: Máximo 12 personas (dirigido a dramaturgos y a actores y directores de escena del Laboratorio Rivas Cherif con experiencia en escritura dramática).
Fechas: 8, 9, 10, 11 y 12 de mayo de 2017.
Horario: De 10 a 14 horas.
Precio: 60 euros.
Inscripción: Del 7 al 19 de abril de 2017 (ambos inclusive).
Lugar: Sala Mirlo Blanco del CDN (cómo llegar).
Requerimientos: Los solicitantes deberán adjuntar, en su solicitud, una muestra textual de unas 10 páginas.
Cómo inscribirse: Escribe un e-mail con tu petición, junto con la muestra textual, a laboratorio.cdn@inaem.mecd.es poniendo en el asunto “TALLER ESCRITURA DEL ABISMO ANTONIO ROJANO”.

Objetivos

• Aproximación a las estructuras dramáticas contemporáneas.
• Procedimientos para discernir los niveles de ficción de los relatos.
• Escritura de escenas con estructura “abismada”.

Estructura del taller

El trabajo se realizará sobre una selección de textos llevada a cabo por Antonio Rojano, y que se facilitarán a los alumnos seleccionados:
La ciudad oscura, de Antonio Rojano. Autores en el Centro, 26. CDN, 2015.
Lejos, de Caryl Churchill. TEATRO DEL ASTILLERO, 2005.
La paranoia, de Rafael Spregelburd. ATUEL, 2008.

Antes del comienzo del taller, todos los participantes deben leer los textos que se proponen.

Otras lecturas voluntarias:
• Ficciones, de Jorge Luis Borges.
Formas breves, de Ricardo Piglia.

Sobre Antonio Rojano

Dramaturgo y guionista nacido en Córdoba en 1982. Comenzó a escribir teatro mientras cursaba sus estudios de Periodismo en la Universidad de Sevilla. Es autor de más de una decena de textos dramáticos, entre los que se destacan Sueños de arena, La decadencia en Varsovia, Fair play, Katiuskas o Furiosa Escandinavia, trabajos por los que ha recibido diversos galardones como el Premio Nacional de Teatro Calderón de la Barca (2005), el Premio Marqués de Bradomín (2006) o el Premio Lope de Vega de Teatro (2016).

Entre sus últimas obras se encuentra La ciudad oscura, estrenada por el Centro Dramático Nacional en la Sala de la Princesa del Teatro María Guerrero en marzo de 2015, bajo la dirección de Paco Montes. Por este montaje, Rojano fue candidato a Mejor Autoría en los XIX Premios MAX y finalista del Premio Nacional de Literatura Dramática 2016.

CONVOCATORIA BECA L’OBRADOR D’ESTIU – SALA BECKETT 2017

El CDN participa, por cuarto año consecutivo, como institución colaboradora en L’Obrador d’estiu, el encuentro internacional de dramaturgos emergentes que tendrá lugar en la Sala Beckett / Obrador Internacional de Dramaturgia, del 09 al 15 de Julio de 2017 enmarcado en el Festival GREC 2017. El dramaturgo inglés Simon Stephens será el coordinador y tutor de esta XII edición del seminario y el tema que se trabajará será Teatro para el tiempo de la emergencia (más información).

Los participantes en este seminario son autores jóvenes becados por diversas instituciones colaboradoras de prestigio internacional; entre ellas se encuentra el Laboratorio Rivas Cherif del Centro Dramático Nacional que avalará y propondrá a uno de los creadores participantes.

Logo de La Sala Beckett

Condiciones de participación

  • Ser dramaturg@ menor de 35 años miembro del Laboratorio Rivas Cherif.
  • Carta de motivación escrita en inglés: Queremos escuchar por qué queréis hacer este seminario, qué esperáis de él y en qué os puede ayudar a crecer en vuestro trabajo en este momento. Y todo eso queremos que nos lo contéis en una página.
  • Nivel alto de inglés: Es fundamental que el dramaturgo seleccionado tenga un muy buen nivel de inglés hablado y escrito. Por ello, las entrevistas que tendremos con los candidatos preseleccionados serán parte en este idioma.

Condiciones económicas

El CDN cubriría todos los gastos derivados de la inscripción (matrícula, materiales del seminario, traducción al catalán del texto, producción de la lectura dramatizada, alojamiento, desayuno y almuerzo y entradas a una selección de espectáculos del Festival GREC), pero no cubriría los gastos fuera de la misma (viaje, cenas, traducción del texto al inglés, transportes internos y otros gastos no especificados), corriendo estos gastos por cuenta del participante.

En este link podréis encontrar toda la información sobre esta duodécima edición de L’Obrador d’estiu, incluyendo una descripción detallada de las condiciones de participación.

 

Formas breves, de Ricardo Piglia.

Plazo de recepción de solicitudes

El plazo de recepción de solicitudes estará abierto hasta el miércoles 13 de abril (inclusive). Os invitamos a todos los que estéis interesados en participar a que nos mandéis la Carta de Motivación con vuestro nombre y apellidos al e-mail laboratorioenruta.cdn@inaem.mecd.es indicando en el asunto de vuestro correo “Solicitud Encuentro L’Obrador d’estiu 2017″. Posteriormente nos pondremos en contacto con vosotros para acordar la fecha y hora de las entrevistas con los dramaturgos preseleccionados.

TALLER DE DRAMATURGIA UNA MIRADA DIFERENTE 2017

TALLER DE DRAMATURGIA UNA MIRADA DIFERENTE 2017

Como en años anteriores, la Fundación Universia y el Laboratorio Rivas Cherif del Centro Dramático Nacional, promueven y elaboran un taller de Dramaturgia desarrollado en el marco del Festival Una mirada diferente. Este taller estará coordinado por los dramaturgos y creadores Juan Mayorga y Diana I. Luque, girando en torno a la diversidad social del momento en el que vivimos.

La idea del taller es encontrar puntos de encuentro que nos enlacen a unos con otros y nos muestren en igualdad más allá de nuestras diferencias. Uno de estos puntos en común es el miedo, ya que todos tenemos miedo, pero… ¿A qué tenemos miedo cada uno? ¿Son nuestros miedos el reflejo de nuestras limitaciones? En este taller, ambos profesionales reflexionarán junto a un grupo de 6 dramaturgos con y sin discapacidad en torno a la idea del miedo y su poder dramatúrgico.

Durante el taller se crearán seis textos cortos que servirán como material de trabajo posterior para el taller de Interpretación que dirigirá Fefa Noia, enmarcado también dentro del Festival. Los dramaturgos que participen en este taller serán invitados también al de interpretación para que puedan seguir trabajando sobre sus textos. Habrá una muestra final abierta al público el día 29 de mayo de 2017.

Profesores: Juan Mayorga y Diana I. Luque.

Lugar: Sala Mirlo Blanco del Teatro Valle-Inclán.
Fechas: 4, 18, 25 de abril y 9 de mayo de 2017.
Horario: De 17 a 20h.
Participantes: Dramaturgos del Laboratorio Rivas Cherif y profesionales inscritos a través de la Fundación Universia.
Nº de plazas: 6 personas (50% reservado a personas con discapacidad).
Precio: 40 euros.
Plazo de inscripción: Del 22 al 28 de marzo de 2017.
Cómo inscribirse: Si eres miembro del Laboratorio Rivas Cherif recibirás un correo con toda la información.

Logo Fundación Universia

AUTOFICCIONES: LA ESCRITURA DEL YO ESCÉNICO, CON BORJA ORTIZ DE GONDRA

AUTOFICCIONES: LA ESCRITURA DEL YO ESCÉNICO, CON BORJA ORTIZ DE GONDRA

Con el teatro posdramático y todas las corrientes de la no-ficción en escena, los creadores teatrales han perdido el pudor a subirse a sí mismos al escenario y hablar desde su propio yo. Pero ese “yo” que ponemos en escena, ¿es el mismo “yo” que confesamos en nuestro diario? ¿Basta ese plus de verdad que tienen los materiales autobiográficos para interesar al espectador? ¿Cómo no caer en el narcisismo y la exhibición cuando nuestro objetivo debe ser siempre comunicarnos con el público?

En este taller, impartido por Borja Ortiz de Gondra (autor y actor de Los Gondra) exploraremos las posibilidades de generar ficciones teatrales partiendo de elementos reales muy cercanos a los integrantes del grupo. Trabajaremos sobre la biografía personal y familiar de cada dramaturgo, que a la vez se contará a sí mismo y se ficcionalizará. Exploraremos las posibles formas escénicas de exponernos a la mirada del otro. Se trabajará a partir de relatos, objetos, recuerdos y sueños propios para ir generando materiales textuales que puedan llegar a formar parte de posibles obras futuras.

Fechas: Del 28 al 31 de marzo de 2017.
Horario: 10:30 a 15:30 (28 de marzo) 9:30 a 14:30 (29, 30 y 31 de marzo).
Precio: Subvencionado por la Diputación de Málaga (La Térmica ofrece posibilidades de alojamiento a un precio económico).
Lugar: La Térmica de Málaga. (Sala 021).
Plazos de inscripción: Del 21 de febrero al 7 de marzo de 2017 (ambos inclusive).
A quién va dirigido: Dramaturgos miembros del Laboratorio Rivas Cherif y/o de La Vía Andalucía.
Cómo inscribirse: Si eres miembro del Laboratorio Rivas Cherif recibirás un correo con toda la información. Si eres de Andalucía puedes inscribirte a través de www.latermicamalaga.com
Perfil de alumno: Se seleccionará un máximo de 12 profesionales.
Requerimientos específicos: Los solicitantes deberán enviar una breve carta de motivación y una descripción del material personal sobre el que querrían trabajar (relatos, objetos, recuerdos, sueños, cartas, fotografías o elementos similares).
Lecturas previas sugeridas: Los participantes seleccionados recibirán previamente el texto de Los Gondra para su lectura antes del comienzo del taller.

Logo La Térmica

Metodología

Partiendo de los materiales personales sobre los que quiera trabajar cada dramaturgo (relatos, objetos, recuerdos, sueños, cartas, fotografías o elementos similares), dedicaremos un tiempo a explorar las posibles estrategias dramatúrgicas para darles una forma como texto. Una vez explorados los materiales, cada dramaturgo comenzará a escribir posibles escenas en las que ponga en práctica esas estrategias. Sobre esos primeros esbozos continuaremos trabajando los siguientes días.

Objetivo

Nuestro objetivo será investigar cómo se va filtrando la teatralidad en el paso de los materiales brutos a la escritura, así como explorar cómo manejamos el concepto de “pudor” cuando somos nosotros mismos el material de trabajo. Incidiremos en la delgada línea entre lo real y lo ficcional, buscando cómo hacer de lo íntimo algo colectivo y transmisible para que tenga un valor teatral. Indagando en las historias personales, trataremos de hallar los elementos que nos identifican con el otro, que dan cuenta de nuestro origen, nuestra cultura, nuestra comunidad y nos pueden llevar de ese “yo” privado al “nosotros” del teatro. La meta será aprender a distinguir entre intimismo e intimidad, y asimilar herramientas y estrategias que nos ayuden a establecer una relación sana con ese “yo íntimo” expuesto en público.

Sobre Borja Ortiz de Gondra

Tras estudiar dirección escénica en Madrid, se trasladó a París, donde trabajó como ayudante de dirección entre otros, con Pina Bausch, Jorge Lavelli o Lluís Pasqual. De regreso a España, se consagra como dramaturgo al ganar los premios Calderón de la Barca, por Mane, Thecel, Phares, y el Marqués de Bradomín, por Dedos (vodevil negro); esta última obra será estrenada por el director Eduardo Vasco en el Centro Dramático Nacional en 1999. De 2004 a 2007 reside en Nueva York, donde tiene la oportunidad de trabajar en el prestigioso teatro PS.122.

Otras obras que ha estrenado son Duda razonable, Memento mori, Miguel de Molina, la copla quebrada, Del otro lado o Los Gondra (una historia vasca), junto a directores como Juan Diego Botto, Javier Yagüe, Josep Maria Mestres, Rosario Ruiz Rodgers o Alejandro Tantanián. También cabe destacar su labor de enseñanza de la escritura teatral al frente de los laboratorios ETC de la Sala Cuarta Pared, donde se han formado muchos de los autores de las nuevas generaciones. En enero y febrero de 2017 presenta en el Centro Dramático Nacional Los Gondra (una historia vasca), un trabajo de autoficción familiar en el que se interpreta a sí mismo.

CLASE MAGISTRAL EL DOBLE A ESCENA

CLASE MAGISTRAL EL DOBLE A ESCENA

A lo largo de toda la tradición literaria varios autores –Plauto, Shakespeare, Stevenson, Dostoievski o Unamuno, entre otros– han centrado su mirada en el fenómeno del doble. Y múltiples artistas, no sólo escritores, sino también músicos, artistas plásticos o directores de escena, se han dejado estimular por este eje temático.

Por lo que tiene de teatralidad, fantasía, humanidad, imitación, reflexión, duda, necesidad, inquietud y sugerencia, investigar en torno al tema de la otredad abre vías de indudable interés en el terreno escénico. Esta investigación en torno a la idea del doble, se integra en el proceso de investigación desarrollado durante el proceso de trabajo de Hablando (último aliento) de Irma Correa, dirigida por Ainhoa Amestoy, que estrenaremos el 5 de abril en la sala de la Princesa del Teatro María Guerrero.

Hemos invitado a expertos en medicina, literatura comparada y artes escénicas y plásticas a que nos acompañen en este proceso de reflexión pensado para el elenco y el equipo artístico del espectáculo y los miembros del Laboratorio Rivas Cherif.

Contaremos con David Ezpeleta (médico neurólogo del Hospital Universitario Quirón y Coordinador Académico del área de medicina en la Universidad Internacional de La Rioja), Antonio Garrido (catedrático de Teoría de la Literatura de la Universidad Complutense de Madrid) y José Luis Raymond (artista plástico, director de escena, escenógrafo y profesor titular de Espacio Escénico en la RESAD). Moderarán el encuentro Irma Correa (dramaturga) y Ainhoa Amestoy (directora de escena).

Participantes: Máximo 40 personas miembros del Laboratorio Rivas Cherif.
Fecha: 24 de febrero de 2017.
Horario: de 12:30 a 15 horas.
Precio: Gratuito.
Inscripción: del 15 al 22 de febrero de 2017 (ambos inclusive). Se seleccionarán a las 40 primeras personas que confirmen y comprometan su asistencia. De cara a dar el mayor número de oportunidades, la ausencia sin justificación será penalizada en las posteriores convocatorias.
Lugar: Sala Xirgu del Teatro María Guerrero.
Cómo inscribirse: Si eres miembro del Laboratorio Rivas Cherif recibirás un e-mail con toda la información.

(Imagen: Cortesía de Fotodiario Sin palabras)

TALLER CREAR E INTERPRETAR DESDE EL VÉRTIGO CON CARMEN LOSA

Con motivo de la exhbición del espectáculo La esfera que nos contiene, escrito y dirigido por Carmen Losa, en la Sala de la Princesa del 24 de febrero al 19 de marzo, se propuso un taller con esta destacada creadora exclusivamente dirigido a actores y directores del Laboratorio.

Fechas: 6, 7, 8, 9 y 10 de febrero de 2017.
Lugar: Sala de Ensayos del CDN Almendrales (Sala Bingo).

Objetivos

  • La desmitificación de la interpretación.
  • Las trampas de la realidad.
  • La ficción y la imaginación.
  • La falacia de la verdad y la mentira.
  • La incertidumbre activa.

TALLER TEATRO Y MEMORIA (UN TEATRO PARA LA MEMORIA HISTÓRICA) CON LAILA RIPOLL

Descripción del taller:

Durante cinco sesiones y utilizando escenas y/o personajes clásicos a modo de soporte o cañamazo, los participantes de este taller reflexionaron sobre el pasado inmediato, bucearon en la memoria y recrearon los textos originales hasta transformarlos.

Fechas: Del 28 de noviembre al 2 de diciembre de 2016.
Lugar: La Térmica de Málaga.

Logo La Térmica

TALLER LA LÓGICA DEL MOVIMIENTO CON STEPHEN MOTTRAM

La creción e investigación en el campo de teatro de títeres y de objetos está marcando muy profundamente el rumbo de la escena de nuestros días. Por este motivo, y tras la gran experiencia y buena acogida del taller con la compañía de Philippe Genty que realizamos el año pasado, desde el Laboratorio Rivas Cherif se propuso este taller realizado en coordinación con el TOPIC (Centro Internacional del Títere de Tolosa), con Stephen Mottram, uno de los más grandes marionetistas de nuestros días.

Fechas: 21, 22, 23, 24 y 25 de noviembre de 2016.
Lugar: Sala de Ensayos del CDN Almendrales (Sala Bingo).

Descripción del taller

Un taller sobre por qué las cosas se mueven de la manera en que se mueven y cómo el disponer de este conocimiento ayuda al artista a expresar las ideas de forma exitosa a su audiencia.marioneta.

Estructura del taller

  1. Ejercicios y experimentos, representados por participantes de forma individual o en pequeños grupos.
  2. Proyectos e improvisaciones en pequeños grupos con el fin de experimentar o consolidar los nuevos conocimientos.
  3. Jugar diferentes juegos juntos para perder la timidez y divertirse.
  4. Practicar la manipulación de la marioneta.
  5. Breves debates y puestas en común de los conocimientos del grupo.